Top 10 álbumes bellamente defectuosos

Un álbum generalmente se considera el hermoso bebé de un artista; Pero a veces también puede ser su hijastro feo. La deformidad, después de todo, es parte de la naturaleza, y el contraste solo ayuda a acentuar los casos de belleza descarada. Aquí hay 10 artistas que compitieron por algo de fealdad para realmente hacer que sus álbumes brille:

10. Siouxsie y The Banshees 'Tinderbox (1986)

Si bien este álbum puede ser el álbum más pegajoso y refinado de Siouxsie y los Banshees, también contiene algunos de los trabajos atmosféricos más morbosos en el repertorio de la banda. Esto es mucho para el crédito del guitarrista recién reclutado John Valentine Carruthers. Es en gran medida la guitarra que, cuando no se quita ganchos propulsivos pulidos, hace que este álbum sane y se retire. La canción "An Ejecution" presenta una guitarra que grita y gimiendo y todo tipo de otras interrupciones sonoras desarticuladas que hacen que la pista suene como si fuera cortada y reensamblada al azar.

Siouxsie dijo en una entrevista de 1986 con NME: “Está muy bien cosido; Todo está cosido. Eso es lo que apuntamos."

Y eso es ciertamente lo que lograron: un mosaico de manchas de sangre y cuadrados de algodón blanqueado.

9. Radiohead's Amnesiac (2001)

Es fácil ver dónde se puede identificar Radiohead como "roca abstracta", ya que su sonido que cambia de forma seguramente desafía cualquier estructura o lógica concreta. Mientras que son capaces de melodías hiper-inspiradoras convencionales (yo.mi. En Rainbows y Ok Computer), pueden caer del fondo cuando quieren explorar las mismas posibilidades de sonido. Amnesiac es el mejor ejemplo de sonidos y ruidos desconocidos (menos de lo que uno podría considerar "música"). Repleto de clics, pitidos y miríadas de formas de ruido blanco, el álbum a menudo es solo un collage sólido, que recolecta una variedad de ruidos oscuros en una atmósfera sobrenada de interesante.

Tome las canciones "Push/Pull Girning Door" y "Like Spinning Plates": los primeros sputters, salta e incorpora voces apenas audibles a donde la canción suena como daño cerebral total, mientras que el segundo contiene sonidos de whirring en sentido antihorario y voces invertidas Ese sonido como la canción se reproduce de hecho al revés (lo que de ninguna manera inhibe el apasionado falsete de Thom Yorke).

El guitarrista Ed O 'Brien dijo, en una entrevista con el Chicago Tribune, que su sonido en el disco es un producto de un nuevo enfoque para crear un disco (que también se aplicó al álbum Kid A que grabaron justo al mismo tiempo) :

"Tuvimos que enfrentarnos al comenzar una canción desde cero en el estudio y convertirla en algo, en lugar de tocarla en vivo, ensayarla y luego obtener una buena toma de una actuación en vivo. Ninguno de nosotros tocó tanta guitarra en estos discos. De repente, se nos presentó la oportunidad y la libertad de abordar la música como lo hace el ataque masivo: como colectivo, trabajando en sonidos, en lugar de con cada persona en la banda tocando un papel prescrito. Fue un trabajo bastante duro para nosotros adaptarnos al hecho de que algunos de nosotros no necesariamente están tocando nuestro instrumento habitual en una pista, o incluso tocando cualquier instrumento en absoluto. Una vez que superas tus inseguridades, entonces es genial."

Para aquellos a quienes les gusta Radiohead por su directura, este toma un poco de tiempo acostumbrarse (y una apreciación por todo lo que proviene del campo izquierdo).

8. Spoon's GA GA GA GA (2007)

(Comienza a las 1:55)

Los álbumes de Spoon tienden a ser muy amigables con lo-fi. Su álbum más reciente, la transferencia de 2010, se reunió a partir de una mezcla de grabaciones de 8 pistas y demostraciones que sonaban más orgánicas que sus sesiones de estudio (que finalmente desecharon). En todo Ga Ga Ga Ga Ga Ga, puedes escuchar pequeñas imperfecciones que quedan en (voz en off, ruido de fondo, etc.), pero la canción "Ghost of You persuasión" en particularmente sonidos como la cinta se lavaba ácido en lugares seleccionados (comenzando en la marca 1:55), que agrega una tercera dimensión de Wraith a los temas de un "fantasma persistente."

En una entrevista con un.V. Club, el líder de la banda, Britt Daniel, dijo sobre su decidida inclusión de tics y bordes deshilachados en el álbum, ""Solo creo que eso es más emocionante. Cuando la gente solía cortar discos en vivo, hubo errores todo el tiempo que permanecieron en. Era parte del encanto. Te estás perdiendo algo si todo está manejado y clínico. Entonces, cuando escuchamos un error que suena interesante, hacemos un punto para mantenerlo."

7. HA HA SOUND de Broadcast (2003)

La tecnología es completamente moderna pero establecida en "Vintage", a los grupos de chicas de los 60 de Phil Spector. Escuche "Winter Now" y escuche secciones de cuerdas deformadas como algunos clásicos 45 tocados por milésima vez.

En una entrevista con GimmeBadvibes.La cantante de com Trish Keenan dijo sobre sus tendencias experimentales: "Avant-Garde no es bueno sin popular y popular es basura sin un poco de vanguardia. Dos de ellos son dinamita juntos y siempre estamos tratando de apuntar a una combinación de ambos. No sé cómo las personas puras de vanguardia lo hacen, debe ser una tarea ingrata, empujando los límites a los realmente extraños y extremos, pero la dicotomía es que generalmente son músicos increíbles."

Lo que hace que la música de Broadcast sea especialmente eyeria es el hecho de que Keenan murió el año pasado, que simplemente imbuye, al volver a visitar, su sonido con más connotaciones fantasmales, a donde te preguntas si acechando debajo de todas esas capas de reverbio es Keenan, contenida como alguna forma de energía intangible.

6. Cabón de la muerte para las estrechas escaleras de Cutie (2008)

(Muy final de la canción.)

La canción "Pity and Fear" ejemplifica el espíritu del álbum, que es de espontaneidad y "Livial."La canción continúa con un impulso creciente hasta el final, sin conclusión cuidadosamente concebida. El resultado suena como una cinta literalmente cortada con tijeras demasiado temprano; Antes de eso, el volumen aumenta algunos decibelios sin razón aparente. Si tuviera que descargar este álbum (en lugar de comprar una copia legal digital o de vinilo), podría pensar que era un trabajo pirateado pobre.

El productor y guitarrista Christopher Walla dijo sobre el álbum en una entrevista con The Vine, "El plan maestro para las escaleras estrechas debía ser tan invisible y a mano como un productor como podría podría. Estaba realmente interesado en ver lo que pasaría. Cuando comenzamos ese récord, habíamos estado de gira durante la mayor parte de dos años. Todo lo que pudimos recordar fue estar en el escenario y tocar. Entonces, la idea era: ¿Qué sucede si estamos en el escenario y tocamos, excepto que estamos en el estudio y estamos grabando??"

Lo que sucede es un sonido mucho más orgánico, algo que podría haber sido plástico y perfecto en su lugar se convierte en algo más humano y propenso a un error, algo real. Y con un álbum como las escaleras estrechas, que respira y suspira y siente (dolor), dicha estrategia de producción solo mejora su resonancia.

5. El sueño adolescente de Beach House (2010)

(Verso, a partir de las 0:40.)

Los miembros de Beach House Love Reverb. Su material temprano suena como si el vinilo se queda demasiado tiempo al sol. Si bien buscaron limpiar su acto en su último álbum Teen Dream, no dejaron su afecto por ese sonido rudo.

En una entrevista con Pitchfork, miembro de banda (dúo-counterpart) Alex Scally dijo,

"La sensación que el reverb te da está en todo el registro. Que es la expansión del sonido. Sabes, Reverb hace esa cosa en la que haces un sonido y crece hasta 20 veces su tamaño original y llena todo. Mientras que con este disco, creo que estábamos tratando de obtener la misma sensación con el arreglo y los sonidos reales."

Victoria Legrand, otra mitad del dúo, dijo: “La reverberación es esta máscara. Es un estilo. Es como una cortina de encaje o algo. Pero funciona. Funcionó en el primer disco y funcionó en devoción, y todavía está allí en Teen Dream hasta cierto punto."

Legrand también dio su impresión de cómo los oyentes por primera vez reaccionaron a su sonido, cuando una de sus canciones era un sencillo de la semana de iTunes:

"Ellos eran como, 'Odio esto! Mi estéreo está roto!"

4. La psicocandia de la cadena de Jesús y María (1985)

Los compradores involuntarios del primer álbum de la cadena de Jesús y María, Psychocandy de 1985, deben haber regresado directamente a la tienda para un reembolso, dando su sonido increíblemente discordante. Simplemente escuche la canción "Never Entends" (si puede soportarlo) y vea si no está absolutamente seguro de que a) sus altavoces estéreo de alguna manera tienen un cortocircuito, o b) la grabación es simplemente 3-sencillo de minutos de uñas rascando una pizarra.

El miembro de la banda, Jim Reid, dijo en una entrevista con PennyBlackMusic, "Mucha gente no podía creer que tuviéramos el descaro de subir al escenario y hacer eso porque no pudimos jugar."

Añadió: "Lo que nos atrajo, creo que fue que las canciones eran bastante fuertes. Tal vez la gente no podía escucharlos porque los estábamos tocando tanto, pero sabíamos que había una canción básica debajo."

Al estar tan fuertemente influenciados por los Ramones como estaban, que también carecían de una maestría adecuada de sus instrumentos, no es difícil ver dónde pudo haber nacido las melodías corruptas. Pero más que solo tocar descuidado, parecían empeñados en dar al oyente tinnitus.

3. Echo and the Bunnymen (homónimo, 1987)

Echo y los Bunnymen tienen un sonido distintivo, un equilibrio entre las ranuras ajustadas y la atmósfera de guitarra de Warly. Pero incluso con la "deformación" inflexionada en todo su álbum desactualizado (a donde el oyente del vinilo hace doble toma en la condición del disco en sí), el sonido no es lo que la banda se identifica mejor con.

Front Man Ian McCullough dejó la banda después de este álbum. En una entrevista de 1992 le dijo a la revista Q: "Nos acaba de absorber una nueva mentalidad en ese último álbum, The Sound of Radio America. Hizo muy bien aquí, pero para entonces pensé que ya no éramos lo suficientemente buenos. Estaba sucediendo bastante, los estados estaban construyendo y construyendo, pero no se sentía bien en el escenario. No nos estábamos realmente comunicando como compañeros y cosas. Quiero decir, estaba acostumbrado a creer que éramos el mejor grupo."

A veces, demasiada pureza puede ser devastadora para una banda que prospera con la angularidad. Pero aun así, no se puede negar el sonido de eco esencial que aparece en todo este álbum. Quizás el problema radica en ser demasiado complaciente, demasiado familiarizado con un territorio musical tan desconocido.

2. El Velvet Underground White Light/White Heat (1968)

(Comienza a desintegrarse a las 2:00.)

Este álbum es tan decisivamente descuidado como una lata del guiso de carne de res Campbell. Y eso no es para el crédito de Andy Warhol, productor de plátano de su hermoso debut.

De hecho, después de su falta de éxito comercial con el predecesor prominente de plátano, dispararon a Warhol, y con él, su idea del arte.

Gran parte del álbum es discordante y disonante (un valor directo de 17 minutos en el álbum cerrador "Sister Ray"), pero la canción principal (que se supone que imita la experiencia de una anfetamina alta) representa mejor la devolución de la banda en el caos voluntario. Después de dos minutos de lo que serían los planos esenciales del punk rock, la canción se desintegra como si los instrumentos de Reed, Cale, Morrison y Tucker implosionaran a mitad de rendimiento. Si otra canción no se activó inmediatamente como una especie de desfibrilador (yo.mi. "El regalo"), es posible que haya pensado que su estéreo acaba de morir.

Tenga la seguridad de que lo que está atrapado en la cinta no es completamente sin rumbo, incluso si el alcance se deja ligeramente fuera de enfoque:

Describiendo los 17 minutos del caos puro que comprende la "hermana Ray" Lou Reed dijo: "Solo estábamos tratando de ahogarnos en ese. Alguien dijo 'quién está tocando el bajo?'No hay bajo. '¿Cuándo es la canción??'Habrá terminado cuando termine."

Culpe a las drogas, o los espíritus comprensiblemente amortiguados, WL/WH es un plato que se sirve a cegadormente caliente (o con un molde lleno de velocidad).

1. Diamond Dogs de David Bowie (1974)

(A las 5:00.)

El álbum se reproduce como un homenaje sónico gigante para el 1984 de George Orwell y, como tal, un espíritu distópico está claramente presente. Toma el álbum más cerca, "CHANT OF THE Ever Circling Skeletal Family."La canción se convierte en un bucle enloquecedor, que está destinado a sonar como un disco roto, donde el sonido repetido es" BR, BR, BR, BR ... "

El sonido es el resultado de un bucle de cinta, pero como dice la historia, Bowie tenía la intención de tener la frase "Big Brother" (yo.mi. El título de la canción anterior), pero cuando accidentalmente se redujo a un simple "BR", fue con eso en su lugar. El sonido, después de que escucha suficiente escucha, finalmente comienza a sonar como "correr", que es tan vago como es apropiadamente siniestro.

Se dice que Bowie fue influenciado, líricamente de todos modos, por William S. El uso de Burroughs de la "técnica de corte" de la escritura, que es donde tomas un pedazo de escritura y literalmente cortas las líneas y las reorganiza en una secuencia diferente, creando así un significado/efecto completamente diferente.

En una entrevista de Rolling Stone donde Bowie y Burroughs discuten los sueños como fuente de influencia creativa, dijo Bowie, ""Me resulta más fácil escribir en estas pequeñas viñetas; Si trato de obtener más pesado, me encuentro fuera de mi liga. No pude contenerme en lo que digo. Además, si eres realmente más pesado, no hay mucho más tiempo para leer tanto o escuchar tanto. No tiene mucho sentido obtener más pesado .. . Hay demasiadas cosas para leer y mirar."

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